Miguel Pérez Iñesta: pasión por la contemporánea
Miguel Pérez Iñesta se destaca hoy como uno de nuestros intérpretes de música contemporánea más comprometidos y fieles; su amplia formación y las menciones recibidas hablan por sí solas. Él, por su parte, también nos habla, desde Berlín, sobre la educación y su paso por la Academia de la Filarmónica de Berlín.
Este músico vallisoletano cuenta ahora con veintiocho años y comenzó a estudiar clarinete, su primera pasión, con 9 años. Fueron sus profesores con M. Torres, J. Sánchez, A. Veintimilla y A. Weisgerber, entre otros.
En la actualidad, estudia en Berlín con K-H. Steffens. Entre 2005 y 2007 fue Academista de la Orquesta Filarmónica de Berlín, donde recibió clases de W. Fuchs y W. Seyfarth. Asimismo, en 2002, finalizó sus estudios de piano, que ha cursado con las profesoras C. Suárez, P. de la Riva y O. Semouschina.
Ha sido premiado en varios concursos de piano (Villafranca de los Barros, 1999), clarinete (Juventudes Musicales, 2001) y música de cámara (Juventudes Musicales, 2003) y el “Hanns Eisler Preis” de interpretación de música contemporánea, 2003, 2004, 2006.
Es invitado por festivales como Schleswig-Holstein y Sommermusiken (Alemania) Zermatt Festival y CullyClassique (Suiza) Terras do Sousa (Portugal) Spoletto (Italia) e Internacional de Música y Danza de Granada, entre otros.
En los últimos años, ha estrenado obras de compositores como Helmut Oehring, Max Mainz, Genoël Ruhle, Erez Holz o Stefan Keller. Colabora con orquestas como la Sinfónica del Principado de Asturias, Konzerthaus Orchester Berlín o Filarmónica de Berlín, siendo dirigido por Maestros como B. Haitink, S. Rattle, S. Bychkov, Ch. Thielemann. Durante su estancia en la Academia de la Filarmónica de Berlín tuvo el honor de tocar música de cámara con E. Pahud, el Scharoun Ensemble. Miguel Pérez Iñesta ha sido becado por La Caixa-DAAD entre 2003 y 2005.
¿Cuáles fueron los motivos principales que te impulsaron a seguir tus estudios fuera de España? Fue, sobre todo, la necesidad de hacer música de cámara. Entre 2000 y 2003 estuve un par de veranos en la academia orquestal del festival de música de Schleswig-Holstein, en el norte de Alemania. Me pasaba las ocho semanas tocando en formaciones que iban desde trío a grupos de quince personas, aparte de la orquesta. Desde las nueve de la mañana a las once de la noche sin parar. Íbamos a un ritmo de unas dos o tres obras por semana. Después volvía a casa, y en el conservatorio, donde estaba finalizando los estudios de piano, hacíamos tan sólo una o dos obras al año. Asi que me fui a Berlín donde el ritmo de trabajo ¡se parece más a esas dos o tres piezas por semana!
¿Cómo es el proceso de formación de un academista de la Filarmónica? El proceso depende en gran medida del propio academista. En principio la idea de H. v. Karajan fue que “la orquesta ha alcanzado un nivel tal, que no podemos permitirnos aceptar músicos de fuera. Tenemos que formarlos nosotros mismos”. Una especie de cantera, donde “el academista respire el mismo aire que repiramos nosotros”, Karajan dixit. En la práctica, el academista tiene absoluta libertad para decidir cuándo, cuánto, cómo y qué estudia, pero se le presuponen una serie de cosas, se da por hecho que han de estar ahí (máxima atención, máxima preparación, concentración, flexibilidad…). Los dos años que dura la Academia son una especie de toma de conciencia. Calidad. Por lo demás, se hacen varios conciertos de música de cámara al año, y se participa en la vida de la orquesta (ensayos, conciertos, giras) como cualquier otro miembro de la misma.
El interés que vienes demostrando por la música contemporánea ¿es anterior o posterior a tus contactos berlineses? Es anterior. En casa se ha escuchado siempre mucha música contemporánea. Stockhausen, Nono, Boulez, Cage, pero también Hendrix, los Cream, Rolling Stones, Zappa o John Mayal estaban ya en la estantería de discos años antes de que llegase el primer CD con una sinfonía de Mahler, Beethoven o Bruckner. Siempre me ha gustado el repertorio contemporáneo para clarinete solo, desde bien pequeño, pero a parte de In C, de Terry Riley (pieza para formación ad libitum, que hicimos con dos clarinetes, acordeón, teclados, chelo, violín, saxo y contrabajo) que grabamos en el Taller de Músicos de Gijón en 2001 o así, nunca había hecho tanta música de cámara contemporánea como en Berlín.
¿Cuál es la actitud más adecuada que los músicos deben cultivar en los procesos de interpretación de estas obras contemporáneas? El acercamiento a toda obra de música clásica (partiendo de la base de que la música contemporánea es música clásica) ha de ser, a fin de cuentas, el mismo: existen el sonido y el tiempo. El Tiempo. El sonido es algo que hay que trabajar cada día, tanto individualmente como en grupo. Hay que hacerlo grande y dúctil para poder amoldarlo a cualquer situación dentro de una pieza. El tiempo es algo que también se puede trabajar, pero, desde mi punto de vista, ha de hacerse partiendo del fenómeno sonoro. La duración de una pausa (es sobre todo en los silencios donde se oye si la interpretación es buena o no) depende no tanto de la indicación del metrónomo al principio de la obra como del discurso musical ocurrido antes, o que ocurrirá después de esa pausa.
¿Qué formaciones europeas consideras referenciales en este sector de la creación contemporánea? Ensemble Modern, Klangforum Wien y Ensemble Intercontemporain son, sin duda, y desde hace décadas, formaciones de referencia, no sólo en Europa.
¿Y compositores? Hay una serie de “monstruos” clave como son Schoenberg, Webern, Berg, Stockhausen, Messiaen, Boulez, Berio, etc, pero poco a poco estoy descubriendo otros como Fabian Levy, G. Grisey, Ligeti, Varèse, Kurtag, Gubaidulina…
¿Qué medidas de urgencia crees que se deberían adoptar para conseguir una mayor proyección de la música española en la escena internacional? Se están haciendo cosas muy buenas desde hace algunos años. Por ejemplo, existe la Sociedad Filarmónica Madrid-Berlín que integra una pequeña orquesta y varias formaciones de cámara. Desde este organismo se programan varios conciertos al año, donde se combinan piezas clave de los repertorios alemán y español. Los conciertos son, normalmente, en Madrid y Berlín (Auditorio Nacional y Konzerthaus), aunque el año pasado estuvimos en Essen, y con el quinteto de viento Madrid-Berlín actuaremos en junio en Albarracín.
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