El barbero de Sevilla, Parsifal o Roberto Deveraux, nuevos tÃtulos en MyOperaPlayer, del Teatro Real
Para reforzar la iniciativa de acompañar y satisfacer a los melómanos, y a los que se están iniciando en estos dÃas de encierro, MyOperaPlayer continúa incrementando su oferta audiovisual con sesiones únicas, conciertos históricos, espectáculos infantiles y documentales, que puedan satisfacer las expectativas de una comunidad que alcanza ya los 32.000 suscriptores.
2 de abril
L’Italiana in Algeri. Gioachino Rossini. Teatro del Liceu 2019
L’italiana in Algeri se representó en el Liceu la temporada 2018/19 en conmemoración de los 150 años de la muerte del compositor italiano Gioachino Rossini. El regista Vittorio Borrelli plantea un montaje vistoso y colorista, unido a la vibrante música rossiniana bajo la batuta del maestro Riccardo Frizza. El reparto está liderado por la mezzosoprano Varduhi Abrahamyan como Isabella, el bajo-barÃtono Luca Pisaroni como Mustafá y el tenor Maxim Mironov como Lindoro, tres voces muy cotizadas internacionalmente que confluyen en el escenario con Giorgio Caoduro como Taddeo; Sara Blanch, como Elvira; Lidia Viñas-Curtis, como Zulma, y Toni Marsol, como Haly.
L’ italiana in Algeri es una obra que juega la carta de la liberación de la mujer a través de su protagonista, Isabella, capaz de poner cada cosa en su lugar ante la rudeza de Mustafá. Rossini consiguió, a los 21 años, un triunfo total con esta farsa cómica en dos actos. A pesar de ser tan joven, el músico italiano consolidó su estilo personal, como legÃtimo heredero de la ópera buffa del siglo XVIII. Grandes arias como ‘Cruda sorte’ de Isabella y unos concertantes espléndidos —como por ejemplo el onomatopéyico final del primer acto— son algunos de los platos fuertes de este hilarante menú rossiniano.
3 de abril
Roberto Devereux. Gaetano Donizetti. Teatro Real 2015
La soprano Mariella Devia y el tenor Gregory Kunde protagonizan este tÃtulo del belcanto, cuya interpretación exige un gran virtuosismo vocal, que en septiembre de 2015 inauguraba la temporada del Teatro Real. Bajo la dirección musical de Bruno Campanella, gran especialista de este repertorio, completan el cuarteto protagonista la mezzosoprano Silvia Tro Santafé y el barÃtono Ãngel Ódena, junto al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.
Creada en un perÃodo terriblemente doloroso de la desdichada vida de Gaetano Donizetti, la partitura de Roberto Devereux, cargada de rabia, pena y desesperación, ofrece un sobrecogedor retrato psicológico de la reina Isabel I de Inglaterra (Elisabetta), vÃctima de su propio despotismo en la corte claustrofóbica, endogámica y terrorÃfica de los Tudor.
Siguiendo la estela de Donizetti, y la dramaturgia de la ópera servida por el libreto de Salvatore Cammarano, el director de escena sudafricano Alessandro Talevi refuerza precisamente la expresión de las emociones desenfrenadas, las pulsiones lujuriosas y los tormentos corrosivos de la impetuosa reina, en una espiral destructiva que arrastra a los protagonistas a su trágico desenlace.
4 de abril
Parsifal. Richard Wagner. Teatro Real 2016
Parsifal, última, enigmática y genial ópera de Richard Wagner, que el compositor clasificó como “Festival escénico sacro en tres actosâ€, cuenta con un extraordinario reparto protagonizado por Klaus Florian Vogt, junto a otros veteranos cantantes wagnerianos como Anja Kampe (Kundry), Detlef Roth (Amfortas), los barÃtonos Franz-Josef Selig (Gurnemanz) y Evgeny Nikitin (Klingsor), y el bajo-barÃtono Ante Jerkunica (Titurel), además del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.
La dirección musical cuenta con el prestigioso director de orquesta ruso Semyon Bychkov y escénica del alemán Claus Guth, quien traslada el desaliento y la orfandad de los caballeros del Grial en su castillo de Monsalvat a un sanatorio donde recalan los soldados destrozados por la guerra, en una Europa devastada, rota y sin rumbo.
Este monumental e inclasificable “oratorio mÃstico-dramáticoâ€, concebido para ser representado únicamente en el revolucionario Teatro de Bayreuth, y sin aplausos, para no perturbar la atmósfera religiosa del rito músico-teatral, ha impulsado, desde su estreno en 1882, interpretaciones muy diversas y contradictorias, encendidos debates y un sinfÃn de obras inspiradas directa o indirectamente en la deriva existencial del misterioso héroe wagneriano.
5 de abrilÂ
El MesÃas. Georg Friedrich Haendel. CoreografÃa de Mauricio Wainrot. Teatro del Bicentenario, San Juan (Argentina) 2019
El Teatro del Bicentenario se transforma en un glorioso y minimalista firmamento donde los cuerpos toman forma y confluyen desde la impronta contemporánea y neoclásica para celebrar las sublimes vibraciones de El MesÃas, oratorio Georg Friedrich Haendel, a través de la coreografÃa de Mauricio Wainrot.
Wainro toma la esencia religiosa y emocional de la obra de Händel y construye un ballet que transforma los estados de ánimo en movimiento, invitando al público a embarcarse en un viaje espiritual e introspectivo. Las escenas, abstractas, pero de sutil belleza, evocan por momentos escenas del Nuevo Testamento y guardan una Ãntima relación con el ánimo que inspira la música de Haendel.
El MesÃas, está protagonizada protagonizada por Victoria Balanza y Gerardo Marturano, junto a un destacado elenco de artistas argentinos, quienes enfrentan este importante desafÃo técnico y artÃstico que propone la icónica obra de Wainrot.
6 de abril
Concierto Alfredo Kraus. Archivo histórico de TVE. Concierto en el Teatro Real 1998
En una época marcada por las prisas y la necesidad de alcanzar inmediatamente las más rápidas metas, Alfredo Kraus supo instalar la prudencia y la mesura entre sus objetivos. La inteligencia comienza con el descubrimiento de su capacidad vocal, sigue con la elección del oportuno repertorio y termina con la controlada distribución de sus posibilidades. La coherencia de su trayecto profesional es determinante. De casi 40 roles operÃsticos, unos veinte bastan para cimentar su leyenda, todos cantados en italiano o francés y, por lo tanto, pertenecientes a estos repertorios. Personalidades juveniles, apasionadas y proclives al sentimiento amoroso, entidades que facilitan las mejores armas de su canto: la elegancia, la flexibilidad, la fluidez, la espontaneidad, la transparencia del sonido, la sutileza y la facilidad de ascensión al registro agudo, cualidades mantenidas impolutas, con los lógicos cambios aportados por la edad, a lo largo de su dilatada carrera.
7 de abrilÂ
Il Barbiere de Siviglia. Gioachino Rossini. Teatro Real 2005
Protagonizada por un excelente elenco, con Juan Diego Flórez, MarÃa Bayo, Pietro Spagnoli y Ruggero Raimondi, esta producción de Il barbiere de Siviglia estrenada en el Teatro Real Madrid, el mes de enero de 2005, contó con la dirección musical del gran experto rossiniano Gianluigi Gelmetti y la puesta en escena de Emilio Sagi, Director ArtÃstico del Teatro Real entre 2001 y 2005.
En esta producción, concebida como una ingeniosa follie organizée, todo se mueve, nada es seguro, incluyendo el decorado (completamente blanco), que se forma y transforma permanentemente delante del público, dando cobijo a las diferentes escenas de la ópera.
La alegrÃa, “el salero†y el carácter extrovertido de los sevillanos es evocado a lo largo de toda la obra a través de un minucioso trabajo dramático desarrollado por los protagonistas (todos ellos grandes cantantes y excelentes actores), el coro y los actores-bailarines que participan en la ópera, tratada como una inmensa coreografÃa en la que danzan también el decorado y el atrezzo.
Aunque la época de la trama no esté reflejada de manera explÃcita, toda la escenografÃa remite al siglo XVIII, reflejando sobre todo ese momento de inestabilidad en el que el oscurantismo del Ancien Régime da paso a la Ilustración, asomando ya el germen de la revolución burguesa que más tarde aflorará.
El color y la iluminación se convierten en elementos dramáticos, más que escenográficos: el espectáculo está todo él concebido en blanco y negro, y sólo las apariciones de Rosina, con su rebeldÃa y ganas de vivir, introducen en la escena una nota de color, que borran inmediatamente los criados de Bartolo.
Finalmente, en “la tempesta†una lluvia multicolor rompe la bicromÃa de la escena dando paso a una progresiva emergencia de los colores a medida que se desencadena el final de la trama.
La vitalidad, el bullicio y la espontaneidad de las “gentes de la calle†andaluzas, con sus sevillanas y su gestualidad de inspiración flamenca, son fundamentales en el diseño coreográfico de la ópera, llena de sorpresas, ironÃa y guiños cómplices al espectador.
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