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© Joachim Spieth

En estrecha conexión con el propósito de esta bienal desde su nacimiento, dar a conocer y desarrollar la actividad musical de actualidad, las sesiones musicológicas de esta última edición estuvieron orientadas hacia un asunto de vital importancia, la difusión del nuevo arte sonoro. Así, bajo el evocador título Defragmentation tuvieron lugar una serie de charlas y conversaciones con creadores, artistas y expertos, como son Corinne Diserens, Stefan Heidenreich, Florian Malzacher, Dorothee Richter, Tim Rutherford-Johnson, Ronald Kolb y Helmut Lachenmann, entre otros, moderadas por Lars Petter Hagen y Berno Odo Polzer.

La situación actual de la producción artística se analizó en primer lugar desde la figura del curator, sus prácticas en las diferentes disciplinas artísticas y la posible aplicación de estas al ámbito de la nueva música. En consecuencia, se puso de relieve la necesidad de una revisión del término –curator– y su adecuación para este tipo de creación. Durante cuatro días se abordó la especificidad de este ejercicio, así como la actividad impulsora y mediadora llevada a cabo por parte de los artistas. Esta última, da cuenta de la existencia de un campo de acción entre la producción y la interpretación de la obra, que no está atendido suficientemente, ni en la etapa de formación de los músicos ni en las plataformas y foros que tienen lugar en torno al arte del siglo XXI.

Asimismo, los expertos presentaron estrategias y métodos para la gestión de esta producción y subrayaron la necesidad inmanente de colaboración, además de la importancia del desarrollo de instituciones alternativas y nuevos festivales, que pongan al alcance del público actual otros tipos de eventos y formatos. También se abordaron temas cruciales, tales como las políticas de transferencia, de exhibición y producción en un contexto social más amplio como el que vivimos. Todo ello sin dejar de lado el estado en el que se encuentra el “concierto clásico”, que fue examinado por el sociólogo Martin Tröndle en base a los discursos sociales y políticos vigentes.

El proceso de actualización para el estudio y presentación del arte contemporáneo también llevó a debate el rol de la investigación musicológica a través del proyecto ARTISTIC RESEARCH, bajo la dirección de Marko Ciciliani y Barbara Lüneburg. Como un ámbito inherente a la práctica interpretativa, se planteó la importancia de una investigación que no sólo se basara en el proceso tradicional de razonamiento, sino en la aplicación de metodologías provenientes de otras disciplinas, no artísticas, y sin embargo válidas tanto para el análisis como para la difusión de los resultados de estos trabajos.

En conexión con el uso de las nuevas tecnologías y la tendencia multidisciplinar de los creadores de hoy, se planteó la necesidad de proponer nuevos objetivos para la investigación y el uso de metodologías que den respuesta a los nuevos formatos. Además, se generó una reflexión sobre la posibilidad de formular un discurso innovador por parte de los dispositivos electrónicos en interacción con los humanos. A raíz de diálogos sobre el arte desarrollados entre musicólogos, compositores, artistas y un sistema tecnológico, o en presencia de este, como si de alguien que escuchara una charla ajena se tratara, surgieron nuevas ideas sobre la naturaleza de la conversación, la creatividad y la improvisación, y se pusieron de manifiesto las limitaciones que presentaron los sistemas para la reflexión y la capacidad sensorial, con el objeto de mejorarlos.

La investigación musicológica, así como la gestión cultural tienen una ardua tarea por delante para con la creación más rabiosamente contemporánea. Al igual que las herramientas de composición se renuevan, reemplazan, desarrollan o modifican, la investigación y su correspondiente presentación de resultados, así como la producción y gestión del arte del siglo XXI requieren una praxis actualizada.

Helmut Lachenmann © Joachim Spieth

En conversación con Helmut Lachenmann

La producción y recepción del arte contemporáneo es un asunto que preocupa tanto a artistas, como a creadores y gestores, por ello, el compositor Lachenmann también compartió, en una entrevista, algunas de sus opiniones y experiencias al respecto.

El primer lugar dio respuesta a un par de tópicos, “cómo debería ser el arte” y “si quieren ser entendidos los compositores por el público”. Para ello partió de la idea de Schönberg sobre que “el arte puede ser muchas cosas, pero nunca aburrido”, y planteó ¿a quién no debe aburrir? ¿qué quería decir con esto Schönberg? ¿se podría referir a no aburrir a Merkel, Ronaldo, Boris Becker? ¿a quién? Para él esta idea es “estúpida” en el momento que nos planteamos de forma paralela ¿Qué es el arte? ¿provocación, es un servicio, es entretenimiento? Según el compositor, una buena respuesta para él surge en el momento que un trabajo “nos molesta y nos invita a pensar”, porque en este caso, no sería aburrido sino más bien lo contrario. En sus propias palabras, los nazis sabían exactamente por qué prohibían la música moderna, porque hacía pensar a la gente […] Y esto es algo que todavía es sospechoso para las personas con un grado de lavado de cerebro a través del comercialismo dentro de la democracia .

Igualmente afirmó con peso que siempre quiso ser entendido y pese a que su arte está ubicado en un entorno estético compositivo desde los años sesenta, no resta importancia a la continua búsqueda de la transformación del arte. Uno nunca lo deja. Pero uno al menos puede salir [de su entorno estético] y mirarlo desde fuera. Eso es lo que quiero decir, tienes que caminar por el mundo y ver qué más hay. […] Usamos la cultura musical que nos rodea. Usamos estos instrumentos que fueron construidos para ciertas cosas, y cada vez que desfamiliarizamos algo, tiene alguna connotación o carácter expresivo. Y componer, para mí, a menudo es mantener esas cosas a raya, en un contexto donde los otros elementos le dan una calidad contextual diferente.

Su objetivo es ser entendido y para ello racionaliza cada elemento que hay en su obra desde una perspectiva contextual, de esta forma, nos invita a pensar en la obra a través de una escucha activa y así, hallar qué nos quiere comunicar. En definitiva, entenderla a través del uso de la razón. Él aconseja a sus alumnos que escriban lo que a ellos les gustaría escuchar y además, que lo prueben todo. En base a esta actitud, Lachenmann confesó que no sabe hacia dónde va la música, cómo continuará, ni tampoco puede decir a la gente cómo escribir, tan solo puede indicar cómo lo hace él. Lo que sí subraya como descubrimiento en su larga y experta trayectoria, es que hay nuevas formas de escuchar, no se trata solo de buscar nuevos sonidos, y también, que somos parte de una sociedad, que esta nos cambia y quizás nosotros igualmente podamos cambiarla a ella, pero al final en el arte se trata de sentarse juntos y escuchar, y pensar en lo que estamos escuchando.

En conclusión, los compositores que recurren a sonidos acústicos producidos por instrumentos tradicionales, los que buscan nuevas formas de hacer sonar a estos mismos, así como los que se apoyan en la inteligencia artificial o en las nuevas tecnologías para producir sonidos electrónicos, todos ellos, junto a gestores y musicólogos, coinciden en la necesidad de una actualización en la producción y presentación, tanto del arte como de la investigación, y asimismo, en la importancia de ser consecuentes con las nuevas formas de producción y escucha.

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