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Elisa Encinar

Elisa Encinar estudió en New York Film Academy, Filmmaking (2010-2011) y se formó en el College of Arts de Edimburgo (ECA), Met Film School, Londres (2012) y St Martins School (Universidad de Londres).  Se ha especializado en Competencia Desleal y política en London School of Economics (2008) GDL, BPP University Law School (2009). Y posee Bachelor con Honores en Derecho, Criminologia y Desarrollo Internacional, Universidad de Liverpool (2007).

Liverpool, Londres, Madrid, Shanghái, Nueva York y Los Ángeles. ¿Cómo te influye viajar?

Lo global enriquece a lo local, siempre y cuando que se trate de crear híbridos culturales. Para ello, la animación y la informática en general son medios idóneos.  De Liverpool me influyó mucho THE FACT, centro de actividad cultural particularmente intensa y variada. De Londres, la identidad londinense, que es única en el mundo y que ha evolucionado, acogiendo al mismo tiempo elementos multiculturales de todo el mundo. De Shanghái, su positivamente envidiable sentido de la felicidad. De Nueva York, ciudad que nunca duerme y que parece cambiar a todas horas, su espectacular arquitectura. Para mí, es la única ciudad del mundo en la que puedes disfrutar de la soledad estando rodeada de una multitud perfectamente ruidosa. De Los Ángeles, cómo aglomera un grupo de ciudades y su ritmo interno tan particular. Y de Madrid… cada vez que vuelvo me cuesta reconocerla así que deduzco que está en evolución continua.

Caballo Alado, diseñado y animado por Elisa Encinar. Visto en T. del Canal.

Lo que realmente influye a la hora de crear híbridos culturales es sumergirse en varias culturas y relacionarlas entre si. Eso puede hacerse viajando o, gracias a la globalización de los medios, a distancia. Y en cualquier caso, la inclusión de elementos de partes diferentes del mundo siempre enriquece el resultado final de un proyecto. Eso sí, esa no es ni mucho menos la única fuente de inspiración que hay. Pueden inspirar objetos o personas en particular –todos somos un reflejo de las personas a las que hemos conocido y de las experiencias que vivimos, lo que se refleja en cualquier expresión artística. Y para un creativo, el potencial de la informática es extraordinario.

Por lo que dices, te pueden influir los cantantes y actores.

Por supuesto. De hecho, para que el resultado sea orgánico, lo más deseable es que haya colaboración entre intérpretes y medios audiovisuales. Esta interacción puede producir sinergias y fluidez narrativa.

Qué hace que te decantes por la animación sobre, por ejemplo, la filmación.

La animación es un instrumento, al margen de la parte técnica de trasfondo. También lo es una cámara de video o de fotografía y también lo es la pintura. En todo caso se trata de poder narrar historias, transmitir sensaciones o recopilar material y tratarlo en color, luz y movimiento, siempre y cuando tenga sentido. La animación está demostrando un potencial y una aplicabilidad en medios creativos a los que antes tenía difícil acceso. Tiene ventajas, como el hecho de que la definición del espacio, o la dosificación del tiempo las establezco yo misma partiendo de cero.  La animación es un aspecto de lo que se puede llegar a mostrar en una pantalla –o proyectar sobre superficies varias. Y que da libertad casi absoluta a la hora de crear.

El Quijote, diseñado por Elisa Encinar para la Fundación BBVA.

¿De qué manera estableces las coordenadas espacio-tiempo y cómo afectan al resultado final?

Puedes centrarte en producir segundos de material prestando más atención a los detalles para después, en edición, convertirlos en minutos (es decir, trabajas a cámara rápida, para después ralentizar en edición). Además, cuando se trata de realismo, para que el objeto o humanoide animado aparente tener movimiento orgánico, hay que observar al detalle los ritmos vitales de su equivalente en la vida real. Y si estás en la posición de animar un personaje completamente imaginario, observar y referirte a los movimientos de animales y máquinas para luego hacer las combinaciones que quieras… es terriblemente creativo.

¿Qué cometido tiene la animación 3D aplicada a conciertos y en qué difiere de la animación tradicional?

El primer cometido es mantener una continuidad en escena, haya conjunto musical o actoral delante o no, tengan que desplazarse sobre el escenario, etc. Por ello, tiene funciones estéticas pero también prácticas. Lo que la distingue de la animación 3D tradicional son varios factores siendo uno de ellos la narración. La animación aplicada al concierto, no tiene por qué tener una estructura tipo introducción, cuerpo y desenlace. Puede, en cambio, haber saltos en el tiempo sin sentido aparente o, simplemente, potenciar el efecto de la parte musical. Y cuando se trata de generar sensaciones, la informática hace que sea posible disponer de muchos recursos diferentes.

Cuando la animación (sea 3D o 2D) interviene en la parte narrativa musical o escénica… el proceso se hace más complejo, dado que puede evolucionar en base al libreto, a la intención del compositor, la dirección de escena o musical… y un largo etcétera. Cómo se crean y animan personajes es probablemente la mayor de las diferencias entre la animación tradicional y aportar narrativa a un concierto u opera. En la ópera, los personajes animados pueden intervenir según indique el libreto.

Carlomagno, animado por Elisa Encinar, Teatros del Canal.

¿Qué trabajo tuyo resaltarías en particular?

En Paris y Berlín con Florencia al Fondo diseñé y animé un caballo azul con alas rojas a modo de protagonista. El caballo es de estética foto-realista pero con cambios de coloración y textura de superficies. Comienza siendo parte de un cuadro de Chagall, colgado en la pared de un café parisino en 1910. Y vuela, realizando el mismo viaje que Schoenberg y su Pierrot Lunaire a través de varias ciudades. De una recreación de calles parisinas en 3D a una recreación de Florencia (otra metáfora: cúpulas flotando en el cielo, con nubes de atardecer), a una noche en Berlín. El Pierrot Lunaire se interpretó en 1912, en Berlín, por lo que desmonté el interior de la sala del Palacio Pitti a la que llegó en Florencia, para dar paso a una visión nocturna de la Puerta de Brandemburgo en Berlín. El caballo acaba convertido en estatua en lo alto de la Puerta de Brandemburgo, cediéndole sus alas a una yegua, con más aspecto de porcelana que de estatua y en un ambiente de coloración Pop. Lo que a mí me conmueve del viaje de Schoenberg es lo mucho que le impresionó y halagó que Puccini asistiera a su estreno en Florencia, con la partitura de su obra e interesándose en detalles de ella. Y Puccini falleció poco después –haciéndolo así un encuentro aun más emotivo. El caballo azul con alas rojas simboliza tanto el recorrido físico como ese sentimiento elevado de respeto a Puccini.

En El Retablo de Maese Pedro, de Falla me basé en el libreto a la hora de crear y animar personajes. El reto era aportar algo nuevo, dentro de conservar la versión de 1923. Utilicé como referencia visual los movimientos de Súper Mario Bros de 1985. De ese modo, las marionetas de 1923 se regeneraban en personajes del siglo XXI.

C6 diseñada por Elisa Encinar para Fox Hunt: the Abdication of the Fox

En Du bord D’abîmes aparecían pinturas abstractas animadas, no personajes.

Así es. La informática es un medio de realización que traspasa muchas barreras, dando una flexibilidad que en cambio otros medios, no dan. Las bases en Du Bord D’abîmes son pinturas realizadas con técnicas rápidas de agua utilizando acrílicos. De cada cincuenta que pinto escojo unos diez. Que tengan más o menos potencial para utilizar en escena una vez tratados, animados y editados…es otra historia. Una vez pasados por tratamiento de luz y color -en vez de materia y color- la sensación visual que provocan es más manejable y busca crear sensaciones, no recrear algo similar a la realidad. El software rastrea y distingue entre capas de colores. Lo que hice fue deformar las variaciones de las pinturas según las animaba. Hasta que acabé en escala de grises, recordando a una radiografía.

Para ese concierto, era necesario potenciar las partes escénica y musical, por lo que opté por generar sensaciones. La selección musical giraba en torno al periodo entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial (con El Abismo de los Pájaros, de Messiaen, La Historia del Soldado, de Stravinski y Le Bal Masqué, de Poulenc). El abismo (parte del Cuarteto para el Fin de los Tiempos) fue compuesto y estrenado en un campo de prisioneros nazi, dado que los mismos músicos se encontraban allí. La inclusión del Poulenc, hizo que a la hora de seleccionar variaciones de las pinturas escogiera las de coloración más ‘estridente’ y estableciera velocidades cambiantes, sin corresponder a los tiempos de las partituras. En cuanto a la Historia del Soldado, asocié la figura mefistofélica del cuento popular ruso a la de Hitler, por lo que recopilé, animé y monté la imagen y el sonido de varios de sus discursos de los años 30, sobre las pinturas ya discordantes, con variaciones rítmicas, con el fin de causar ansiedad y desesperación, dado el contexto musical. Después, las pinturas de fondo fueron también proyectadas sobre los músicos y actores a modo de ráfagas.

Blondie, animada por Elisa Encinar para Breakfast to Enjoy.

 ¿Qué proyectos tienes ahora entre manos?

Varios basados en la biografía y obra de Rothko: Uno explora a través de la animación tres entornos emblemáticos en su vida en Estados Unidos (Rothko´s Invisible Spaces). Internal Sceneries, en cambio, explora la relación entre su obra y el paisajismo a través de la animación, analizando como el pintor observaba e interpretaba su entorno, desde paisajes de su Rusia natal hasta que falleció. Mark´s Affections, trata sobre las relaciones afectivas que más le influyeron. Y Rothko: A New York City Testimonial, que mediante proyecciones e iluminación aglomera una interpretación de la vida de Rothko en Nueva York. Faces of Change: Rothko, en cambio, consiste en instalaciones –con animación 3D, por supuesto- y que se refiere a su intrincada personalidad y a sus obras menos conocidas. Al margen de estos proyectos, estoy desarrollando otros entorno a la identidad Británica, como Fox Hunt: The abdication of the Fox y Breakfast to Enjoy. Pero están en pasos iniciales.

¿Cómo se compatibilizan estilos musicales diferentes con la animación?

Me baso en el origen de la música sobre la que tengo que trabajar, o las sensaciones que me provoca escucharla o creo una historia que contar. Pero esos son siempre los primeros pasos… en un camino lleno de variables. Tanto la música como la parte audiovisual pueden partir de una historia o sensación en común, pero acaban siendo mundos completamente diferentes que sin embargo se compatibilizan en un resultado final. La consecuencia es que mientras un intérprete musical tiene un repertorio o márgenes específicos, la animación -o medios audiovisuales – no los tienen o no tienen por qué tenerlos. Y al mismo tiempo, tienen la capacidad de materializarse en diversos formatos y a través de soportes varios. La animación aplicada está en evolución permanente. Mientras avancen el software, los ordenadores y la comunidad de informáticos, la animación evoluciona también.

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