“No podía perdérmelo”. Cuando Polícrates arranca con rotundidad, una mirada tuya esperando el resto del argumento le reafirma: te tiene atrapado.
Me consta que quiere hablar del Saint François d’Assise que nos ha mantenido en sana tensión casi seis horas y media, incluyendo los dos descansos. “Para que luego digan de Wagner…”, apostilla, recordando sus añoradas experiencias en Bayreuth, a las que quiere volver.
Polícrates, que hace quince años descubrió en Madrid esta grandiosa ópera en la producción dirigida por su amigo Giuseppe Frigeni, quería ver qué trato le daba ahora en Salzburgo el gran creador interdisciplinar de referencia Romeo Castellucci. En él pensó como ideal para la ocasión Markus Hinterhäuser, director del Festival desde hace una década hasta su sorpresiva destitución el pasado mes de marzo. Como argumento, los 800 años de la muerte del Santo, que ahora se cumplen.
La existencia de un inhabitual telón anunciaba sorpresas en el majestuoso espacio, familiar para Castellucci desde una Salomé en 2018. El regista italiano recurría al gigantesco cortinaje para ocultar hasta el momento oportuno su propuesta para cada uno de los ocho cuadros en que Messiaen divide el monumental oratorio escénico. Espacios inspirados en frescos de la Basílica de Asís, que Castellucci reinterpreta a su manera. Los dos desconcertantes del inicio, centrados en oficios habituales en las comunidades religiosas, como la panadería y el alfar. Instalando en el primer caso dos hornos eléctricos industriales donde se cocerán a la vista del público los panes previamente amasados por los monjes… Todo cambia con el cuadro que cierra la primera parte, cuando Francisco, siguiendo los pasos de Jesucristo, pone a prueba su humanidad —en el aspecto humano insiste Castellucci— aliviando a un leproso del dolor y la marginación.
La segunda parte discurre desde lo frívolo a lo trascendental. Primero, con la irrupción del ángel a través del telón de fondo, gigantesca fotografía en blanco y negro de un Nueva York invertido. Posiblemente, homenaje a Baselitz, muerto en Salzburgo este mismo año. Desde ese momento se impone la magia: austeridad en el gesto, pasos de ballet con estética oriental… Sin regatear golpes de humor. Como el momento en que los monjes, asustados por la presencia angélica, se amparan tras un parapeto mientras se escucha el leitmotiv del miedo, uno de los recursos musicales de la obra. Aunque el momento más esperado llegará con el sermón de las aves, que cierra el segundo acto. “Sin duda, el más desafiante, al ser el más estático por naturaleza”, dice Polícrates, repitiendo lo que le ha contado Frigeni. Casi 45 minutos de cantos de en torno a doscientos pájaros con distintas entonaciones, que Castellucci remata con una brutal lluvia de agonizantes aves negras sobre el escenario.
Para describir los estigmas y la muerte que en el tercer acto rematan el camino místico de Francisco, Castellucci cambia el registro. Si bien la luz —que evoca el minimalismo de Robert Wilson y Bill Viola— continúa siendo fundamental en su planteamiento, los referentes plásticos aquí se dirigen al barroco. Desde la imaginería de Montañés al tenebrismo de Caravaggio o Ribera, en quienes parece inspirarse su propuesta. Para regresar en el último momento a la ironía del absurdo, cuando, como homenaje a El ángel exterminador de Buñuel, hace irrumpir siete ovejas que intentarán pastar entre la tierra estéril.
Para lograr los objetivos de Castellucci era preciso un gran trabajo de actores, evidenciado en el esfuerzo adicional de cada personaje. Empezando por el debutante en el papel titular, el bajo-barítono francocanadiense Philippe Sly, procedente de la cantera del Proyecto para Jóvenes Cantantes del Festival, en su edición de 2012. Excelentemente resuelta la mística del ángel por la soprano de Perpiñán Lauranne Oliva y también la entrega de Sean Panikkar como el leproso y de Russell Braun, Léo Vermot-Desroches y Aaron-Casey Gould como los tres franciscanos más distinguidos del reparto. Sin olvidar el emocionante homenaje en la cavernosa voz como Bernard del inmenso bajo-barítono Willard White.
Aunque las mayores ovaciones fueron para el director musical Maxime Pascal en su tercera y más demandante ocasión en Salzburgo. Para él y para la orquesta de gran formato —Messiaen demanda 110 ejecutantes—, capaces de materializar el descomunal libreto de 2.500 páginas, fruto de un trabajo al que el compositor dedicó diez años de vida. Un heroico esfuerzo del director, que el público reconoció con interminables aplausos. Con el fin de transmitir los colores y la riqueza tímbrica de Messiaen, Pascal ha estructurado de modo inteligente los recursos, situando en el foso el instrumentario convencional y dividiendo en dos palcos, a ambos lados del escenario, el insólito conjunto de percusiones que la obra requiere, incluyendo los tres emisores para los sobrenaturales sonidos de las ondas martenot, que en su momento sedujeron a Messiaen para los momentos con referencias celestiales, que invitan al viaje espiritual. “Música que habla de sencillez y sobriedad con recursos musicales de extrema complejidad y sofisticación”, dice que le ha comentado Frigeni.
Entre el público, entre tanta indumentaria de marca, destacaba, como en su salsa, un grupo de franciscanos vistiendo su reglamentario hábito marrón. Y entre tanto pájaro, dos cotorras humanas detrás de nosotros hablando sin parar. Polícrates se alegra cuando nuestro vecino les llama la atención. “Se me han adelantado”, dice. Lo iba a haber hecho él.
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Philippe Sly, Lauranne Oliva, Sean Panikkar, Russell Braun, Léo Vermot-Desroches, Aaron-Casey Gould, Willard White, Marius Aron Ivan Lyvch. Vienna Philharmonic/Maxime Pascal. Coro de la Ópera Estatal de Viena/Jozef Chabroň. Saint François d’Assise. Messiaen. Felsenreitschule. 4 de agosto de 2026. Salzburg Festival 2026.
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