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Ottavio Dantone © Giulia Papetti

El programa, Anónimo Veneziano, está dedicado a varios compositores del barroco italiano, entre ellos Vivaldi o Albinoni.

Ottavio Dantone, diplomado en el Conservatorio G. Verdi de Milán en órgano y clavicémbalo, comienza su intensa actividad de concertista siendo muy joven y es acreedor de prestigiosos galardones en concursos de clavicémbalo a nivel internacional, entre ellos el Concurso internacional de Brujas en 1986. Desde 1996 dirige la Accademia Bizantina y desde 2005 es invitado por los teatros de ópera y los festivales internacionales más importantes del mundo, obteniendo prestigiosos premios y reconocimientos.

Es usted una eminencia en el mundo musical del entorno del settecento. ¿Podría hablarnos un poco de usted y de sus facetas de solista y director?

Empecé a estudiar música muy joven, con solo seis años, y no recuerdo bien cómo pero empecé a leer la música y escribirla solo. Después, con nueve años, comencé a cantar en el coro de la catedral de Milán y empecé a tomar las primeras clases de música, e inmediatamente me enamoré de la música antigua porque allí se estudiaba polifonía renacentista y allí escuché mi primer Bach … escuché el órgano y empecé a estudiar órgano … Por tanto, tuve una formación muy empírica que quizá haya favorecido mi actitud hacia la improvisación y a conocer la armonía porque aprendí a componer solo. Creo que esta es una formación que, en mi opinión, puede ayudar mucho a quien se dedique después a la Música Barroca, más allá de las capacidades naturales que se pueden tener. Seguramente estudié mucho, porque cuando comencé a estudiar el clavicembalo, estudiaba incluso doce horas al día. Y todavía hoy, cuando abordo las partituras, lo hago con mucha atención, y empleo mucho tiempo para intentar entender cuáles son las cosas más interesantes ocultas en las partituras pero siempre con el respeto de quien busca leer e interpretar la partitura, intentando comprender lo que tenía en mente el compositor, para emocionar el público. Aunque ahora mi actividad es, sobre todo, de director, para mí es muy importante, sobre todo, mantener una relación estrecha con mi instrumento, porque creo que el hecho de ser intérprete ayuda mucho a la hora de dirigir, así como el hecho de dirigir, sobre todo en la relación con los cantantes, me ayuda en mi actividad como solista.

¿Cómo consigue compaginar bien las facetas de clavicembalista y director? ¿Cuál es su clave?

Como decía antes, desde mi punto de vista, es necesario mantener las dos actividades, porque una alimenta la otra. Por supuesto, la dificultad está en encontrar el tiempo y la energía para seguir estudiando el instrumento, y la máxima inspiración para construir mi pensamiento musical. La dirección es, en cierto modo, la extensión de lo que es mi instrumento. Tengo la suerte de dirigir un grupo como la Accademia Bizantina, con la que trabajo desde hace más de 20 años. Con este trabajo conjunto hemos conseguido crear una simbiosis, desde el punto de vista musical y estético, por lo que siempre tengo la impresión de que la orquesta es casi una extensión todavía más potente y expresiva de mi instrumento y por tanto de mi pensamiento.

En términos generales, ¿qué características consideraría distintivas de la Música Barroca italiana en general? ¿Tiene también un carácter propio la veneciana en particular?

La Música Barroca italiana desarrolla una estética que está muy ligada a la palabra. Por eso, los grupos italianos tienen, normalmente, una mayor facilidad a la hora de transformar esta música en emociones, expresiones y afectos porque, como digo, los códigos expresivos están extremadamente ligados a la palabra. En Italia, en particular, estamos ante una música que, en el papel, indica menos de lo que, en realidad, se necesita expresar, porque los italianos eran partidarios de la improvisación y también de la exageración de los afectos, unos afectos marcados por la alegría, el dolor, todas las pasiones, los suspiros… que forman parte del carácter italiano. Si hablamos del estilo veneciano, el estilo en Venecia es como en Nápoles, pero allí encontramos un lenguaje claro y reconocible, gracias a determinadas características rítmicas, armónicas, melódicas… un cierto uso de las note ribattute … es decir, características que se habían transformado en elementos que el público reconocía y amaba de inmediato. En el siglo XVIII, Venecia se había convertido ya en un lugar turístico y había todo un turismo musical, porque la gente iba a Venecia para escuchar la música tanto en las calles como en los teatros y esperaba escuchar precisamente este estilo, un estilo del que Vivaldi posiblemente sea el máximo exponente, pero que no dejaba de ser común a todos los compositores. Quiero decir que, en cierto sentido, los compositores venecianos componían, sabiendo lo que el público quería escuchar. Obviamente, había también diferencias entre los compositores, pero si comparamos, por ejemplo, autores como Marcello o Albinoni, Vivaldi, Galuppi… siempre encontramos elementos comunes. Sabemos que autores extranjeros, no italianos, el primero de todos Bach, se han inspirado mucho en este estilo. Por ejemplo, tenemos certeza de que Bach transcribió muchos conciertos para clavicembalo, sobre todo de autores venecianos.

Accademia Bizantina © Giulia Papetti

Creo que a usted le gusta encontrar conexiones entre distintos compositores y repertorios, pero ¿diría que hay señas de identidad únicas en la música de alguno de los compositores barrocos italianos que están interpretando en esta gira?

Cada autor que interpretamos tiene unas características propias. Como decía antes, por ejemplo, hay un estilo que caracteriza, en general, la música veneciana. Y, Vivaldi es el mayor exponente. Se trata de un compositor cuya música se reconoce con tan solo escuchar unas pocas notas, porque ha conseguido crear unas estructuras melódicas, armónicas y rítmicas que hacen que se reconozca fácilmente. Pero, hubo también compositores como Benedetto Marcello o el mismo Albinoni, que al proceder de familias patricias, tenían un concepto de la música menos popular, que se puede apreciar en el refinamiento que presenta su escritura. En el caso de Platti, en cambio, aunque había nacido en el Véneto, emigró después al extranjero. Se trata de una personalidad que evolucionó gracias también a la propia experiencia musical. Hay que recordar que Platti fue uno de los compositores que anticipó la que luego será la forma sonata. Sus obras para clavicembalo son muy importantes y de una gran calidad, pero también es muy interesante su música de cámara, y no hay que olvidar tampoco su producción vocal. Me parece importante abordar la obra de este compositor, porque no es demasiado conocido, para lo que debería ser, por el gran valor que tiene su producción. Galuppi, sí es un autor conocido, sobre todo, por su producción para clavicembalo, pero me pareció interesante presentar en este programa una escritura como la de la sonata a 4, que muestra su capacidad para afrontar un repertorio también contrapuntístico, como se aprecia en la construcción de sus fugas.

Vivaldi y Albinoni son compositores que nos siguen emocionando y aún hoy muy interpretados, grabados y habituales en los programas de mano, a pesar de la distancia que impone el tiempo. Si es que se puede explicar con palabras… ¿qué cree que les ha hecho inmortales?

Lo más curioso es que Vivaldi no fue apenas conocido hasta los años 30 del siglo XX, y, gradualmente, se ha convertido en inmortal, después de haber estado completamente olvidado. Con respecto a Vivaldi, añadiría que se trata de un compositor, que aún autocitándose muchas veces y proponiendo una y otra vez determinadas situaciones, lo que lo caracteriza es que, de manera inesperada, se puede convertir también en profundo. Y más allá de una aparente repetición, siempre tiene la capacidad de crear nuevas situaciones emotivas, mediante su capacidad de absorber los aspectos culturales típicos del ambiente de Venecia, que como sabemos, en aquella época era un auténtico cruce cultural, económico, comercial… A veces, en su música podemos escuchar ritmos de otras culturas, que nos llevan a territorios lejanos, aunque manteniendo siempre las características típicas de Venecia. Albinoni, en cambio, tiene otros orígenes, pero cabe destacar, por ejemplo, su capacidad particular para la melodía… sus adagios son especialmente expresivos, y aunque en la partitura sean sencillos y no presenten tantos ornamentos, sabemos que los intérpretes tenían que ser capaces de desarrollar estas melodías, haciéndolas más expresivas si cabe, gracias al uso de variaciones. Albinoni es un autor profundamente representativo de la cultura y de la estética veneciana de aquella época, y además, tiene un instinto especial para la composición como se pueda apreciar en la obra que interpretamos en esta gira, esta sinfonia a 4, en el que se puede ver un estilo que camina ya hacia el estilo galante, es decir, un estilo más moderno. Por ejemplo, en el Adagio de este concierto a 4, hay esa capacidad de emocionar, es decir, un instinto especial para la comunicación expresiva de la música.

¿Por qué estos dos autores tan conocidos? ¿Aún hay algo que decir al respecto? ¿O no siempre hay que decir algo nuevo en las interpretaciones históricamente informadas?

Siempre hay algo nuevo que decir, porque nunca se acaba de aprender respecto a la música. Nuestro objetivo como ejecutores de esta época es conseguir transmitir la intención del compositor, para emocionar. Con respecto a Vivaldi, todavía no solo hay mucho que decir sino también que descubrir, porque todavía hay mucha música que es menos conocida de lo que debería de ser, y lo mismo ocurre con Albinoni. Lo que hace atractiva y fascinante la música barroca es, precisamente, esa relación entre la música y la palabra, y la transformación de los códigos expresivos de la época para transmitir distintas emociones. No hay una verdad absoluta en la Música Barroca y esta es, realmente, su fuerza, es decir, no tenemos que buscar la verdad de aquello que exactamente se hacía entonces, porque por otro lado es imposible, sino que es necesario entrar en una estética que permita mostrar, hoy en día, las mayores emociones posibles. En realidad, se trata de un trabajo de investigación sin fin, porque una expresión, un cierto momento emotivo puede traducirse de mil modos distintos, lo que ofrece la posibilidad de continuar con esa investigación. De hecho; me he dado cuenta de esto, porque a veces cosas que hace diez años interpretaba de una forma, hoy lo interpreto de otra forma, no porque me hubiera equivocado primero y ahora tenga razón, sino porque se pueden encontrar o, por el contrario, excluir, sensaciones que creía haber captado. Pero repito, no existe una verdad sino una honestidad al abordar la música, y no se puede anteponer nunca a la partitura el propio gusto, sino tratar de adaptar el propio gusto a lo que era el gusto de la época, y esto se hace conociendo los tratados de la historia, de las costumbres, de la filosofía, etc. , es decir, un trabajo de 360 grados que tiene que llevar a cabo el músico hasta al final de su actividad.

¿Qué cree que dirían estos compositores italianos si acudieran hoy en día a escuchar sus obras?

Creo que es fundamental partir de esa honestidad intelectual, a la que antes me refería, a la hora de afrontar esta música, porque cada época necesita una perspectiva concreta, y por tanto somos nosotros los que tenemos que adaptarnos a la música y no al revés. Si nosotros adaptamos la música a los gustos modernos, lo más seguro es que el compositor de la época al escucharla, no entendería nada. Probablemente, se sorprendería o se echaría a reír o incluso a llorar. Si se la trata desde la perspectiva del estudio en profundidad, muy probablemente obtendría el consenso de estos compositores.

¿Es cierto que considera el clavicémbalo uno de los instrumentos más completos del mundo? ¿Por qué en especial?

No, creo que el instrumento más completo del mundo es el órgano, y el instrumento más expresivo es la voz. El órgano es el más completo, porque puede hacer el sonido de muchos instrumentos, permite el uso del pedal y es el instrumento más potente. Yo soy organista, y me siento todavía más organista que clavicembalista. Sin embargo, el clavicembalo, quizá porque al tratar de imitar casi de forma desesperada otros instrumentos más expresivos que él, como la voz, y dado que el clavecinista tiene que hacer expresivo un instrumento que no tiene posibilidades dinámicas, puede convertirse milagrosamente en uno de los instrumentos más expresivos. El clavicembalo es seguramente el instrumento más importante en el sonido de la orquesta barroca, porque era el instrumento ineludible en el Ensemble Barroco, junto a otros instrumentos del basso continuo como el archilaúd, y el mismo órgano, es decir, los instrumentos que sostenían desde el punto de vista armónico, dinámico y expresivo la orquesta barroca. porque puede imitar el sonido de muchos instrumentos.

En general, ¿qué características tienen los clavicémbalos del settecento italiano? ¿Qué instrumentos tiene usted? ¿Tiene alguno preferido?

El clavicembalo italiano, a diferencia del clavicembalo francés, alemán o inglés, tenía características típicas y reconocibles. En casos excepcionales podía tener dos teclados, pero lo normal es que tuviera solo un teclado. Tenía dos registros de 8, y un sonido particularmente timbrado, muy adaptado al basso continuo, es decir al acompañamiento. Y gracias a ese timbre muy vocal, en cierto sentido, lleno de armónicos, se adaptaba a las situaciones rítmicas y al mismo tiempo a la expresión. En cada país, tenía rasgos distintos. En Francia, por ejemplo, tenía un sonido más dulce, en Alemania, tenía un sonido ligeramente más agresivo y también rico en armónicos. A mí me gusta, especialmente, el sonido del clavicembalo italiano, sobre todo en la música italiana, y es perfecto para la música de Scarlatti y también del siglo XVII. Los clavicembalos españoles y portugueses tenían rasgos muy similares al clavicembalo italiano. Yo tengo un clavicembalo francés, un clavicembalo flamenco y un clavicembalo alemán, un fortepiano, y un clavicembalo italiano. Y mi preferido es el clavicembalo alemán, porque también tiene las características italianas y francesas, ya que la cultura alemana del siglo XVII aspiraba a la obtención del estilo perfecto, y con el clavicembalo alemán es posible ejecutar casi todos los repertorios.

Por último, me gustaría preguntarle por proyectos futuros e ideas que va a materializar en el mañana.

Tenemos muchos proyectos para el futuro; continuamos nuestro camino para mostrar la música de los siglos del XVII y XVIII del repertorio no solo italiano, y seguimos afrontando repertorios que se acercan más al XIX, comenzando por los hijos de Bach, Mozart, Haydn… A través de compositores del clasicismo tardío como Beethoven y Schubert, queremos llegar al repertorio romántico abordando autores como Schumann y Mendelssohn, que han estado fuertemente influidos por la música de Bach. Y este hilo conductor nos ayudará a buscar en la música la evolución del lenguaje. Hemos llamado a este proyecto revolution, no porque hagamos una revolución, sino porque se trata de una revolución en nuestro trabajo, para intentar mostrar una nueva visión, fruto de una profunda y estudiada lectura de la música, a través de la visión de músicos que han dedicado su vida al repertorio antiguo, y ver cuáles son las conexiones que llevan a la música a modificar gradualmente su lenguaje.

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