Es importante que la música de los espectáculos para niños se traslade de forma definitiva a derroteros donde se trate a la infancia como plenos seres inteligentes, alejados del peluche teatral, la canción fácil y la música de excursión de colegio mongil.
No es obligatorio ser “experimental”; las corrientes mainstream en la música clásica e incluso el pop contienen elementos suficientes para mantener interés, calidad y plena comunicación artística. Esto debieron pensar sus creadores, y obraron en consecuencia.
La música juega un papel fundamental en el espectáculo, con la participación de instrumentos musicales tan originales como sartenes, cacerolas y campanas, que se combinan con sonidos de vibráfono, oboe, corno inglés y contrabajo, convirtiéndose también en protagonistas del relato.
La sala —en L— no ayudaba mucho a la comunicación frontal elegida por los creadores, incluyendo las proyecciones que daban estructura al espectáculo, así como a la definitiva decisión a adoptar por el narrador-cantante. Es muy complicado este rol si, además, debes interpretar un personaje y mantener el libreto como un cantante de coro… La ópera se aproxima más a estas cuestiones de puesta en escena, y es algo que se resuelve con un buen rodaje de actuaciones, algo que merecen sin duda.
En definitiva, un espectáculo que se debe ver más en España, no solo en Madrid. La cosa no es fácil, lo sé: llevo relacionado con este sector del teatro desde 1975.
Me permito hacer unas preguntas a María Lindo, promotora de este proyecto y música española residente en Berlín.
¿Cómo y dónde se gesta tu interés por la música escénica?
El teatro de mi colegio era un sitio mágico, con un telón de terciopelo rojo y el suelo de tablones de madera que chascaban al pisarlos. Ahí hacíamos cada año un festival y todas las clases representaban una canción con bailes y caracterizaciones. Ese era mi sitio, yo lo tenía claro, pero no me gustaba hacer teatro, me gustaba la parte musical. Cuando empecé a tocar a nivel profesional no disfrutaba tanto en los conciertos; estuve muchos años así hasta que me di cuenta de que necesitaba la escena. En la escena no eres tú, eres un personaje, así que, de nuevo, con este concepto era esa niña disfrazada en el teatro, pero ahora tocaba el oboe y el corno inglés en él. Por eso, para mí, es un juego hacer proyectos escénicos.
¿El texto es vuestro? ¿Cómo surge la idea del reciclaje de materiales?
Los proyectos que hago para mi compañía Linien SoundKraft son creaciones completas. Los textos y la música se hacen a medida. El texto es de mi madre, Isabel Fernández Lindo; lo creó para después ser escenificado con la esencia del cuentacuentos. Ella creó esta historia en unas condiciones muy especiales, en plena pandemia y aislada durante semanas en la habitación de su nieto. Empezó a crear este paraguas, que para ella representaba la protección que teníamos que darnos unos a otros y a nuestro planeta, y una parte muy importante de esta conciencia con el medio ambiente era el reciclaje. Así fue creando El paraguas de Lu, que es para ella una historia de amor y respeto hacia el mundo en el que vivimos.
¿Cuáles son tus influencias en el campo escénico? ¿Alemanas? ¿Españolas?
Mis influencias vienen de la ópera. La Richard Wagner Foundation Bayreuth me becó el último año de mis estudios en la universidad de Leipzig, y así asistí al Festival de Bayreuth. Allí vi tres escenografías alucinantes, de las que sigo sacando ideas: La Valquiria, Lohengrin y El holandés errante. Después trabajé en la música de escena de varias óperas de la Deutsche Oper de Berlín. La primera producción fue Der Zwerg (El enano), de Alexander von Zemlinsky. Estuvimos en total un mes ensayando con el escenógrafo Tobias Kratzer, lo que fue un antes y un después en mi forma de ver el escenario. Me fascinó todo lo que se podía hacer en la escena y también el mundo que hay detrás de ella; en verdad, lo que vemos es solo la punta del iceberg. Cuando creo un proyecto ya no puedo separar esta parte escénica de él.
¿El grupo es estable o se forma para la ocasión?
Ander Perrino y yo fundamos la compañía Linien SoundKraft en 2018 para crear proyectos artísticos cuya base sea la música clásica. Dependiendo del proyecto hay formaciones distintas. El paraguas de Lu es el primer proyecto en el que Ander —aparte de ser director musical— también es el compositor de la música. Nosotros vamos imaginando qué instrumentos le van bien a cada proyecto.
¿Podría haber un mayor desarrollo en el trabajo visual en relación con la música que hacéis? ¿Próximos proyectos?
Nuestro próximo proyecto ya está en proceso de creación. Es una ópera muy potente y moderna, con un tema de actualidad, en la que tendremos un escenario lleno de percusión, piano, cuerdas, vientos y música electrónica. Es un proyecto que hacemos en colaboración con miembros de Los Pitutos, un ensamble de música latina afincado en Alemania y formado por músicos excelentes como el tenor Álvaro Zambrano y el percusionista Cristian Betancourt. Para mí, la música clásica es la más libre que existe: no tiene límites, puedes hacer lo que proponga tu imaginación. Estas creaciones son nuestra forma de acercarnos a todos los públicos haciendo música de calidad que entienda la sociedad actual. Es nuestra responsabilidad hacer que nuestra sociedad conecte con la música clásica, con su esencia; no es un problema ajeno a nosotros. Tampoco hay que tener una preparación especial para entender la música de nuestro tiempo, y no debería aburrirnos. Estas son las premisas con las que construimos los proyectos.
¿Crees que sería posible volver a España a trabajar?
Todos los proyectos con texto en español los llevamos a España, tanto a festivales como a teatros. Mi trabajo como creadora y productora de la compañía lo realizo en Berlín, donde también colaboro con otros ensambles y orquestas. Me vine a esta ciudad hace casi veinte años y todavía tengo muchas cosas por hacer y aprender aquí, pero siempre que puedo me encanta ir a España a trabajar y compartir con el público nuestras creaciones.
Gracias, María. Buenas respuestas.
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